\u00a0<\/p>\n
Commission in-situ par Marguerite Humeau<\/p>\n
Black Cube, A Nomadic Art Museum<\/strong> Commissariat assur\u00e9 par\u00a0Cortney L.\u00a0Stell<\/strong><\/p>\n Orisons <\/em>de l’artiste fran\u00e7aise Marguerite Humeau est une nouvelle oeuvre \u00e0 grande \u00e9chelle situ\u00e9e dans la campagne du Colorado. Mesurant plus de 40 000m2, l’\u0153uvre rappelle un gigantesque crop circle et est visible depuis la terre ou le ciel. L’\u0153uvre elle-m\u00eame consiste en un syst\u00e8me d’irrigation \u00e0 pivot central qui tourne m\u00e9caniquement, collectant et distribuant l’eau de pluie selon un mod\u00e8le circulaire afin de stimuler la croissance de plantes m\u00e9dicinales indig\u00e8nes. Plant\u00e9 en fonction du changement des saisons, Orisons se transforme visuellement au fil du temps, invitant les visiteurs \u00e0 d\u00e9couvrir des fleurs color\u00e9es au printemps et des nuances de brun en hiver.\u00a0<\/p>\n Par le biais d’une narration hypoth\u00e9tique et r\u00e9sonnante, l’\u0153uvre de Humeau soul\u00e8ve une question essentielle : que se passe-t-il lorsque nos aquif\u00e8res s’ass\u00e8chent ? Dans cette \u0153uvre, le syst\u00e8me d’irrigation s’apparente \u00e0 un \u00eatre extraterrestre en qu\u00eate cosmique pour produire des pr\u00e9cipitations, gu\u00e9rir le sol et faire rena\u00eetre la v\u00e9g\u00e9tation, avant de s’\u00e9teindre. Utilisant l’eau de pluie partiellement r\u00e9cup\u00e9r\u00e9e comme source d’eau durable, le syst\u00e8me d’irrigation \u00e0 pivot central est programm\u00e9 pour disperser l’eau \u00e0 un taux de pression sans danger pour l’environnement sur une parcelle de terrain contenant des graines plant\u00e9es. De cette fa\u00e7on, l’\u0153uvre explore la relation entre la terre et le ciel.\u00a0Orisons relie une constellation de sujets, dont les pratiques agricoles r\u00e9g\u00e9n\u00e9ratrices innovantes, la m\u00e9decine ancienne des plantes et les mythologies contemporaines, qui soulignent tous les liens entre l’humanit\u00e9 et l’environnement.\u00a0<\/p>\n Exposition collective d’Alex Ayed et Ga\u00eblle Choisne<\/p>\n New Museum, NYC<\/strong> Commissariat assur\u00e9 par\u00a0Margot Norton et Jamillah James<\/strong><\/p>\n Le titre de la triennale 2021, \u00ab\u00a0Soft Water Hard Stone\u00a0\u00bb, est tir\u00e9 d’un proverbe br\u00e9silien :\u00a0\u00c1gua mole em pedra dura, tanto bate at\u00e9 que fura (l’eau douce sur la pierre dure frappe jusqu’\u00e0 ce qu’elle perce un trou). On peut dire que ce proverbe a deux significations : si l’on persiste suffisamment longtemps, l’effet d\u00e9sir\u00e9 peut \u00eatre atteint ; et que le temps peut d\u00e9truire m\u00eame les mat\u00e9riaux les plus solides. Le titre renvoie aux id\u00e9es de r\u00e9silience et de pers\u00e9v\u00e9rance, car il \u00e9voque l’impact qu’un geste insistant mais discret peut avoir dans le temps. Il fournit \u00e9galement une m\u00e9taphore de la r\u00e9sistance, car l’eau – une mati\u00e8re transparente, fluide et souvent sous-estim\u00e9e qui compose la plupart de nos corps et la plan\u00e8te elle-m\u00eame, est capable de dissoudre finalement la pierre – une substance inflexible associ\u00e9e \u00e0 la monumentalit\u00e9, mais \u00e9galement compos\u00e9e de minuscules particules qui peuvent s’effondrer sous la pression.\u00a0En ce moment de profonds changements, notamment concernant les structures que nous pensions stables se r\u00e9v\u00e8lent pr\u00e9caires, inop\u00e9rantes ou sur le point de s’effondrer, la Triennale 2021 rend hommage aux artistes et aux collectifs qui r\u00e9imaginent les mod\u00e8les, les mat\u00e9riaux et les techniques traditionnels au-del\u00e0 des paradigmes \u00e9tablis. Leurs \u0153uvres exaltent les \u00e9tats de transformation, attirant l’attention sur la mall\u00e9abilit\u00e9 des structures, les murs perm\u00e9ables, les surfaces poreuses et instables, et le potentiel fluide et adaptable des m\u00e9dias technologiques et organiques. Les \u0153uvres pr\u00e9sent\u00e9es dans l’exposition \u00e9voquent une sensibilit\u00e9 \u00e0 la fois pr\u00e9historique et post-apocalyptique, qui se tourne vers des traditions artistiques et des \u00e9l\u00e9ments technologiques oubli\u00e9s, tout en se tournant vers l’immat\u00e9riel, le transitoire et des modes de cr\u00e9ation non encore imagin\u00e9s.\u00a0\u00a0\u00a0\u00a0<\/p>\n L’artiste franco-tunisien Alex Ayed pr\u00e9sentera un nouvel ensemble de sculptures r\u00e9alis\u00e9es sp\u00e9cialement pour la Triennale du New Museum de 2021. Inspir\u00e9 par le titre et le th\u00e8me de l’exposition, Ayed pr\u00e9sentera des \u0153uvres qui r\u00e9pondent \u00e0 l’architecture du New Museum, et exp\u00e9rimentera les capacit\u00e9s des mat\u00e9riaux au fur et \u00e0 mesure que leur forme change pendant la dur\u00e9e de l’exposition. Les mat\u00e9riaux qu’Ayed utilise couramment, qu’il s’agisse d’objets trouv\u00e9s au cours de ses voyages, de sable ou de savon \u00e0 l’huile d’olive tunisienne, ont chacun une histoire riche, mais ne sont pas couramment utilis\u00e9s dans un contexte artistique traditionnel, et laissent entrevoir des possibilit\u00e9s au-del\u00e0 de celles que l’on trouve habituellement dans les murs de l’institution. Alors que les fronti\u00e8res ont \u00e9t\u00e9 ferm\u00e9es et que les voyages ont \u00e9t\u00e9 limit\u00e9s en raison de la pand\u00e9mie mondiale cette ann\u00e9e, Ayed a consacr\u00e9 une grande partie de son attention \u00e0 la recherche sur les modes de transport maritime. Les \u0153uvres qu’il pr\u00e9sentera \u00e0 la Triennale 2021 s’inspireront de ces recherches et des vents qui rendent les voyages nautiques impr\u00e9visibles, mais qui poussent les bateaux \u00e0 se d\u00e9placer plus rapidement pour atteindre leur destination. Pour Ayed, cette m\u00e9taphore du vent \u00e9voque notre moment d’instabilit\u00e9 actuel, qui peut provoquer le chaos mais nous pousse \u00e0 r\u00e9aliser les changements n\u00e9cessaires.\u00a0<\/p>\n L’\u0153uvre de l’artiste franco-ha\u00eftienne Ga\u00eblle Choisne aborde les troubles qui affectent notre soci\u00e9t\u00e9 : de la crise climatique \u00e0 l’exploitation des ressources naturelles, en passant par les vestiges structurels du colonialisme. Pour la Triennale du Nouveau Mus\u00e9e 2021, Choisne d\u00e9veloppera une nouvelle installation vid\u00e9o et sculpturale r\u00e9pondant au titre et au th\u00e8me de l’exposition. Comme elle s’inspire souvent de sources litt\u00e9raires carib\u00e9ennes et europ\u00e9ennes, sa nouvelle \u0153uvre s’inspire du texte de Roland Barthes de 1977, \u00a0\u00bb Un discours amoureux \u00ab\u00a0, ainsi que des recherches en cours de\u00a0 Ga\u00eblle Choisne sur le racisme syst\u00e9mique, la violence et la surveillance. L’installation int\u00e8gre des objets trouv\u00e9s, dont certains ont \u00e9t\u00e9 rassembl\u00e9s par l’artiste depuis de nombreuses ann\u00e9es, ainsi que des mat\u00e9riaux tels que des plaques de plexiglas souvent utilis\u00e9es \u00e0 des fins hygi\u00e9niques ou de s\u00e9curit\u00e9, et enfin des objets m\u00e9talliques fabriqu\u00e9s par l’artiste dans une usine de fabrication d’armes dans le sud de la France.\u00a0Le projet de Ga\u00eblle\u00a0Choisne int\u00e8gre \u00e9galement des \u00e9l\u00e9ments architecturaux utilisant le myc\u00e9lium et \u00e9tablit des liens entre une bact\u00e9rie ressemblant \u00e0 un champignon qui peut se d\u00e9velopper dans l’estomac des chiens et provoquer un comportement violent chez l’animal, et la propagation de la brutalit\u00e9 polici\u00e8re. Dans cette \u0153uvre,\u00a0 l’artiste \u00e9largit la citation de Roland Barthes \u00ab\u00a0Je suis celui qui attend\u00a0\u00bb, pour ajouter : \u00ab\u00a0Je suis celui qui attend, pour une nouvelle vie, \u00e9gale pour tous.\u00a0\u00bb<\/p>\n Artpace San Antonio<\/strong> \u00a0<\/p>\n<\/p>\n Image de l’exposition d’Iv\u00e1n Argote, artiste international en r\u00e9sidence \u00e0 Artpace Summer 2021, intitul\u00e9e All Here Together. Photo de Beth Devillier.<\/p>\n Command\u00e9 et produit \u00e0 l’origine par Artpace San Antonio.\u00a0<\/p>\n Commissariat assur\u00e9 par\u00a0Pilar Tompkins Rivas<\/strong><\/p>\n N\u00e9 \u00e0 Bogot\u00e1, en Colombie, en 1983, Ivan Argote est dipl\u00f4m\u00e9 de l’\u00c9cole Nationale Sup\u00e9rieure des Beaux-Arts de Paris en 2009 et vit et travaille \u00e0 Paris depuis. Son travail explore la relation entre l’histoire, la politique et la construction de nos propres subjectivit\u00e9s. Ses films, sculptures, collages et installations dans l’espace public tentent de susciter des questions sur notre relation aux autres, \u00e0 l’\u00c9tat, au patrimoine et aux traditions. Ses \u0153uvres sont critiques, parfois contestataires, et traitent de l’id\u00e9e d’amener les affects \u00e0 la politique, et la politique aux affects, avec un ton fort et tendre.\u00a0Argote fait des critiques et des propositions politiques et sociologiques en utilisant l’affection, les \u00e9motions et l’humour comme outils subversifs, avec lesquels il essaie de g\u00e9n\u00e9rer des espaces de dialogue loin de la polarisation et de la rh\u00e9torique de confrontation.\u00a0\u00a0<\/p>\n La carri\u00e8re artistique d’Ivan Argote a pris un \u00e9lan significatif au cours des derni\u00e8res ann\u00e9es, mais son histoire d’exposition aux \u00c9tats-Unis est encore limit\u00e9e. \u00c0 l’heure o\u00f9 les \u00c9tats-Unis sont aux prises avec leur propre identit\u00e9, leur histoire et leur r\u00f4le dans la communaut\u00e9 mondiale, avec en point d’orgue une insurrection sans pr\u00e9c\u00e9dent de la capitale am\u00e9ricaine, il est pertinent pour Argote d’explorer les th\u00e8mes de sa pratique dans le contexte et l’emplacement physique des \u00c9tats-Unis, en particulier dans le Sud o\u00f9 ces tensions politiques et soci\u00e9tales apparaissent souvent le plus clairement.\u00a0\u00a0<\/p>\n Pendant son s\u00e9jour, l’artiste disposera d’un espace de studio et b\u00e9n\u00e9ficiera du soutien et des ressources dont il a besoin pour se concentrer pleinement sur son travail, r\u00e9agir \u00e0 son environnement et actualiser son \u0153uvre sous la forme qu’il juge la plus appropri\u00e9e. Une fois l’\u0153uvre produite, son installation restera expos\u00e9e \u00e0 Artpace pendant deux mois, et le public pourra la voir gratuitement sept jours sur sept. En outre, l’exposition sera accessible virtuellement gr\u00e2ce \u00e0 des scans 3D de haute qualit\u00e9 qui produiront des visites dynamiques en 3D de l’espace.<\/p>\n \u00a0<\/p>\n Exposition monographique de Cl\u00e9mence de Montgolfier –\u00a0Los Angeles Contemporary Archive<\/strong> Cl\u00e9mence de Montgolfier, Le pass\u00e9 est un autre pays<\/em> (The Past is Another Country<\/em>), HD video (capture d’\u00e9cran) 34 mn 24 sec, 2021. Production : La Fondation des artistes, Paris, France.<\/p>\n Commissariat assur\u00e9 par\u00a0Hailey Loman<\/strong><\/p>\n Le projet prendra la forme d’une exposition solo et d’une recherche sur place par l’artiste fran\u00e7aise Cl\u00e9mence de Montgolfier \u00e0 Los Angeles Contemporary Archive, une organisation \u00e0 but non lucratif bas\u00e9e \u00e0 Los Angeles, une archive d’art, une biblioth\u00e8que et une plateforme d’exposition qui collecte les modes d’expression artistique contemporaines sous-expos\u00e9s remettant en question la notion d’archive et d’espace d’art. Cl\u00e9mence De Montgolfier, dont le travail porte sur les politiques de la parole publique, la repr\u00e9sentation et les m\u00e9diations de la parole, \u00e9galement docteur en \u00e9tudes m\u00e9diatiques de l’Universit\u00e9 de la Sorbonne \u00e0 Paris, a commenc\u00e9 \u00e0 travailler sur cette recherche artistique en 2020. Son projet intitul\u00e9 Les M\u00e9diations impossibles, soutenu \u00e0 l’origine par la Fondation des artistes (Paris, FR), a donn\u00e9 lieu \u00e0 la production d’une s\u00e9rie d’\u0153uvres d’art examinant la r\u00e9solution des conflits, le gouvernement de soi et des autres (au sens du livre \u00e9ponyme de Michel Foucault) et les concepts de production de la \u00ab\u00a0v\u00e9rit\u00e9\u00a0\u00bb et de la \u00ab\u00a0r\u00e9conciliation\u00a0\u00bb. Dans ce projet, l’artiste a choisi d’\u00e9tudier, presque comme on le ferait dans le cadre une \u00e9tude de cas, les \u00ab\u00a0Commissions V\u00e9rit\u00e9 et R\u00e9conciliation\u00a0\u00bb, un mod\u00e8le de commissions de justice transitionnelle qui ont \u00e9t\u00e9 organis\u00e9es dans les pays en transition d\u00e9mocratique depuis les ann\u00e9es 1980. Leur objectif est de reconna\u00eetre et de r\u00e9v\u00e9ler publiquement les violations des droits de l’homme commises par des groupes ou des r\u00e9gimes autoritaires et de proposer diff\u00e9rentes formes de r\u00e9paration.\u00a0<\/p>\n Ce projet aux multiples facettes s’appuie sur des recherches, des rencontres et des entretiens film\u00e9s men\u00e9s avec d’anciens commissaires et collaborateurs ayant si\u00e9g\u00e9 dans des commissions v\u00e9rit\u00e9 et r\u00e9conciliation (CVR) \u00e0 travers le monde, ainsi qu’avec des experts ayant t\u00e9moign\u00e9 dans ces commissions ou les ayant \u00e9tudi\u00e9es. L’artiste s’int\u00e9ressera notamment \u00e0 l’histoire de la commission sud-africaine, au cas plus r\u00e9cent de la commission canadienne de v\u00e9rit\u00e9 sur les pensionnats (2010-2015) et \u00e0 l’actuelle commission ind\u00e9pendante sur les abus sexuels dans l’\u00c9glise catholique (2018-2021, Paris, France).\u00a0\u00a0<\/p>\n \u00a0<\/p>\n Exposition collective avec Tarek\u00a0Atoui, Marcos Avila\u00a0Forero, Angelica\u00a0Mesiti, Laure\u00a0Prouvost,\u00a0Cyprien\u00a0Gaillard\u2026\u00a0<\/p>\n California Institute of the Arts \u2013 Wattis Institute<\/strong> Image : Marcos \u00c1vila Forero \u201cAtrato\u201d (2014) HD video, 13\u201952\u201d\u00a0<\/p>\n Commissariat assur\u00e9 par\u00a0Anthony Huberman<\/strong>\u00a0<\/p>\n Other Repercussions <\/em>propose \u00ab\u00a0la percussion\u00a0\u00bb comme concept esth\u00e9tique et politique. Alors que les instruments \u00e0 percussion sont rest\u00e9s au centre de la plupart des traditions musicales du monde entier depuis des milliers d’ann\u00e9es, cette exposition d\u00e9passe le cadre de la musique et esquisse un \u00ab\u00a0champ percussif\u00a0\u00bb plus large comme mod\u00e8le pour l’art et la politique.\u00a0<\/p>\n Au c\u0153ur de l’exposition se trouvent des \u0153uvres d’artistes fran\u00e7ais ou vivant en France, dont chacune aborde les th\u00e8mes centraux de l’exposition de mani\u00e8re puissante. Tarek Atoui, qui a une pratique de longue date li\u00e9e \u00e0 l’impact physique du son sur les corps et les surfaces, con\u00e7oit une nouvelle pi\u00e8ce pour l’exposition. Tourn\u00e9 avec des indig\u00e8nes en Amazonie colombienne, Atratro (2014) de l’artiste bas\u00e9 \u00e0 Paris Marcos Avila Forero capture des corps dans une rivi\u00e8re, communiquant entre eux, et avec la rivi\u00e8re elle-m\u00eame, en frappant l’eau selon des rythmes coordonn\u00e9s. Le film The Calling (2013-2014) de l’artiste bas\u00e9e \u00e0 Paris Angelica Mesiti explore diff\u00e9rentes communaut\u00e9s rurales dont les habitants communiquent par des sifflements. Les premi\u00e8res \u0153uvres vid\u00e9o monocanal de Laure Provost ne d\u00e9crivent rien de percussif ou de musical, mais transforment les sons, les images et les mots en une s\u00e9quence percussive de montages rapides et de d\u00e9parts et d’arr\u00eats soudains.\u00a0La premi\u00e8re vid\u00e9o apocalyptique de Cyprien Gaillard, Desniansky Raion (2008), combine l’affrontement entre deux groupes de hooligans et la d\u00e9molition d’une tour d’habitation pour cr\u00e9er une violence puissante de diff\u00e9rents types.\u00a0<\/p>\n Avec ces \u0153uvres et d’autres, Other Repercussions<\/em> s’interroge sur les possibilit\u00e9s de la percussion : que mobilise son abstraction et que menace-t-elle ? Qu’est-ce qu’un geste percussif, une forme percussive, une image percussive, une histoire percussive ? Qu’est-ce qu’une forme percussive \u00ab\u00a0d’\u00eatre ensemble\u00a0\u00bb ? Les artistes et les \u00e9crivains utilisent depuis longtemps un vocabulaire musical pour parler de l’art et de la politique et, en empruntant \u00e0 l’\u00e9crivain et po\u00e8te Fred Moten, l’exposition se demande si la percussion peut \u00eatre un moyen de former un ensemble – de devenir un mod\u00e8le politique o\u00f9 des points de vue divergents ne sont pas d’accord, ne sont pas en d\u00e9saccord ou ne cherchent m\u00eame pas \u00e0 atteindre un consensus, mais o\u00f9 ils se rassemblent, coexistent, s’\u00e9coutent, font quelque chose les uns avec les autres et s’adaptent mutuellement \u00e0 un contexte qui \u00e9volue, comme un ensemble.\u00a0<\/p>\n \u00a0<\/p>\n Exposition monographique de Maxime\u00a0Berthou<\/p>\n Louisiana Museum Foundation \u2013 New Orleans Jazz Museum<\/strong>\u00a0 Commissariat assur\u00e9 par\u00a0Amy Mackie<\/strong>\u00a0<\/p>\n Les artistes Maxime Berthou (France) et Mark Po\u017elep (Slov\u00e9nie) ont embarqu\u00e9 pour un voyage de recherche bas\u00e9 sur la pratique sur le fleuve Mississippi du 2 septembre au 20 octobre 2019. Leur moyen de transport \u00e9tait un bateau \u00e0 aubes \u00e0 vapeur de 20 pieds (6 m\u00e8tres) construit \u00e0 la main, nomm\u00e9 Thumpa. Leur objectif \u00e9tait de rechercher et d’exp\u00e9rimenter la vie am\u00e9ricaine contemporaine le long de ce fleuve mythique. Suivant la m\u00e9thodologie et la chronologie d’un projet de recherche-action, \u00ab\u00a0Southwind\u00a0\u00bb est une enqu\u00eate sur l’exp\u00e9rience personnelle, la transcription et la disproportion \u00e0 travers les m\u00e9canismes de production d’un projet artistique. L’endurance li\u00e9e au voyage sur ce navire sp\u00e9cifique a permis aux artistes d’interagir avec une diversit\u00e9 d’environnements et de r\u00e9alit\u00e9s sociales le long du fleuve de 3 730 km. Bien que leur r\u00f4le consistait principalement \u00e0 documenter la vie quotidienne le long de ce tron\u00e7on inf\u00e2me de l’Am\u00e9rique, leurs interactions personnelles les ont positionn\u00e9s comme des co-cr\u00e9ateurs actifs. Le projet a \u00e9t\u00e9 document\u00e9 sous forme de vid\u00e9os, d’\u00e9crits, de photographies, d’enregistrements sonores et de dessins. Les r\u00e9sultats artistiques sont un film comprenant des interviews et des portraits des personnes et des habitants rencontr\u00e9s le long de la rivi\u00e8re, un livre d’artiste sous la forme d’un journal et une installation comprenant des dessins, des photographies et d’autres objets \u00e9ph\u00e9m\u00e8res. Ils continuent \u00e0 organiser des ateliers \u00e9ducatifs et des pr\u00e9sentations sur le projet en Europe et m\u00e8neront une initiative \u00e9ducative similaire aux \u00c9tats-Unis.\u00a0<\/p>\n Le New Orleans Jazz Museum pr\u00e9sentera une projection en plein air du film Southwind en octobre 2021 dans le cadre de la triennale internationale P.5 (Prospect New Orleans). Le film sera pr\u00e9sent\u00e9 sous la forme d’un \u00ab\u00a0cin\u00e9-concert\u00a0\u00bb. La narration en direct et les voix off du film seront interpr\u00e9t\u00e9es par l’artiste de performance David Freeman, suivies d’une musique en direct par des musiciens de jazz de la Nouvelle-Orl\u00e9ans. Les projections comprendront deux nuits de performances en direct. Plusieurs installations comprenant des preuves et de la documentation suppl\u00e9mentaire sur ce projet seront pr\u00e9sent\u00e9es \u00e0 l’int\u00e9rieur du mus\u00e9e et seront expos\u00e9es tout au long de la triennale. Le film sera en outre disponible en ligne.\u00a0Amy Mackie est la commissaire de la pr\u00e9sentation de \u00ab\u00a0Southwind\u00a0\u00bb au New Orleans Jazz Museum et PARSE NOLA, son programme artistique et de r\u00e9sidence \u00e0 but non lucratif bas\u00e9 \u00e0 la Nouvelle-Orl\u00e9ans, est le collaborateur et le producteur de ce projet.<\/p>\n Exposition collective avec Julien\u00a0Creuzet\u00a0\u00a0<\/p>\n Wesleyan University<\/strong>\u00a0 Commissariat assur\u00e9 par\u00a0Benjamin Chaffee<\/strong>\u00a0<\/p>\n The Language in Common<\/em>, une exposition de groupe pr\u00e9vue du 14 septembre au 12 d\u00e9cembre 2021 dans la Ezra and Cecile Zilkha Gallery, Center for the Arts, pr\u00e9sentera les \u0153uvres de cinq artistes travaillant \u00e0 l’intersection des arts visuels, de la po\u00e9sie et de la performance, dont Julien Creuzet (n\u00e9 en 1986, France), Cecilia Vicu\u00f1a (n\u00e9e en 1948, Chili), Tanya Lukin Linklater (n\u00e9e en 1976, Alutiiq), Jasper Marsalis (n\u00e9 en 1995, \u00c9tats-Unis) et Alice Notley (n\u00e9e en 1945, \u00c9tats-Unis).\u00a0Les nouvelles installations command\u00e9es par le Creuzet sont consid\u00e9r\u00e9es comme un \u00e9l\u00e9ment central de cette exposition.\u00a0<\/p>\n The Language in Common pr\u00e9sente des pratiques artistiques qui se situent dans l’espace entre la po\u00e9sie, les arts visuels et la performance. Par le biais d’une exposition, d’une programmation publique et d’une s\u00e9rie de publications de chapitres, le projet vise \u00e0 atteindre ce que la po\u00e9tesse Alice Notley appelle \u00ab\u00a0le langage qui maintient tout \u00eatre ensemble\u00a0\u00bb. Il y a un langage qui nous pr\u00e9c\u00e8de. La po\u00e9sie qui nous pr\u00e9c\u00e8de. L’art qui nous pr\u00e9c\u00e8de. Au-del\u00e0 du spectacle de leur cr\u00e9ation, ce projet cherche \u00e0 permettre \u00e0 la m\u00e9moire d’\u00eatre un acte cr\u00e9atif dans le processus de mise en commun de l’exp\u00e9rience et de cr\u00e9ation d’un nouvel imaginaire.\u00a0<\/p>\n Le travail de Julien Creuzet cr\u00e9era, avec celui de Cecilia Vicu\u00f1a, une comparaison dynamique partageant un focus sur les injustices du n\u00e9olib\u00e9ralisme. L’exposition comprendra la po\u00e9sie, la sculpture, les murales photographiques et la vid\u00e9o de Creuzet, en contrepoint de l’exploration du quipu andin par Vicu\u00f1a. Bien qu’ils aient des id\u00e9es similaires de r\u00e9sistance aux r\u00e9cits politiques h\u00e9g\u00e9moniques, Creuzet et Vicu\u00f1a travaillent \u00e0 partir de positions diasporiques tr\u00e8s diff\u00e9rentes, et Creuzet approfondit la nature de ces positions m\u00eames avec cette conceptualisation de la \u00ab\u00a0g\u00e9olocalisation\u00a0\u00bb et l’impact diff\u00e9rent du n\u00e9olib\u00e9ralisme sur les individus en fonction de leur position sociale, de leur g\u00e9ographie, de leur histoire, de leur race, de leur sexe… Il soul\u00e8ve l’id\u00e9e que nous sommes des sujets globaux, bien qu’hyperlocaux dans leur expression, avec l’influence du \u00ab\u00a0Tout Monde\u00a0\u00bb d’Edouard Glissant.\u00a0<\/p>\n \u00a0<\/p>\n Contemporary Arts Center (CAC) (Cincinnati, OH) pour Breaking Water, une exposition collective comprenant des \u0153uvres de Cecilia Bengolea, Paul Maheke, Jos\u00e8fa Ntjam, Marcos Avila Forero et Saodat Ismailova.<\/p>\n CAC\u00a0Cincinnati<\/strong>\u00a0 Commissariat assur\u00e9 par\u00a0Amara\u00a0Antilla<\/strong>\u00a0and\u00a0Clelia\u00a0Coussonnet<\/strong>\u00a0<\/p>\n Le Contemporary Arts Center (CAC) pr\u00e9sentera Be Water : Liquidity as Method<\/em>, une exposition hybride bas\u00e9e sur la recherche, une projection en direct et num\u00e9rique, ainsi qu’un catalogue \u00e9rudit qui examine comment la soci\u00e9t\u00e9 et les individus peuvent devenir plus fluides et poreux, en adoptant des tactiques et des attributs hydriques. Comprenant des installations, des vid\u00e9os, des photographies, des peintures, des performances et des sculptures attentives aux environnements aquatiques et aux \u00e9tats d’\u00eatre, Be Water : Liquidity as Method <\/em>examine comment l’eau nous affecte et comment, en retour, nous affectons les masses d’eau. Cette vaste exposition collective occupera le b\u00e2timent du CAC, con\u00e7u par Zaha Hadid, dans le centre-ville de Cincinnati, du 27 mai 2022 au 15 janvier 2023.\u00a0<\/p>\n Pr\u00e9sentant 16 artistes internationaux, dont Cecilia Bengolea (AR), Marcos Avila Forero (FR), Saodat Ismailova (UZ), Paul Maheke (FR) et Josef\u00e0 Ntjam (FR) – avec Paul Maheke et au moins quatre autres artistes qui produiront des \u0153uvres nouvellement command\u00e9es ou sp\u00e9cialement adapt\u00e9es pour l’exposition – l’exposition permettra \u00e0 divers publics am\u00e9ricains d’appr\u00e9cier les souches les plus influentes de l’art contemporain travaillant avec l’eau et les tactiques fluides.\u00a0<\/p>\n L’exposition sera structur\u00e9e autour de quatre groupes th\u00e9matiques sp\u00e9cifiques, couvrant les orientations conceptuelles suivantes : L’eau comme origine, l’eau comme protestation, l’eau comme sp\u00e9culation et l’eau comme subsistance. Pour l’exposition L’eau en tant qu’origine, des artistes comme Josefa Ntjam font appel \u00e0 la mythologie, \u00e0 l’animisme et aux connaissances indig\u00e8nes pour aborder l’agencement de l’eau en tant qu’entit\u00e9 vivante et pour comprendre comment la peau de toutes les masses d’eau est une interface entre les esp\u00e8ces et les syst\u00e8mes.<\/p>\n Dans le cadre de ses programmes \u00e9ducatifs, le CAC pr\u00e9voit d’accueillir une s\u00e9rie d’\u00e9v\u00e9nements qui explorent les questions culturelles et environnementales autour du bassin de la rivi\u00e8re Ohio.\u00a0<\/p>\n \u00a0<\/p>\n<\/p>\n Cr\u00e9dits : Vue d’installation : Paul Maheke (n\u00e9 en 1985, Brive-la-Gaillarde, France ; vit et travaille \u00e0 Londres, Royaume-Uni), Le Fil d’Alerte, Fondation d’entreprise Ricard, Paris, 10 septembre 2019 – 26 octobre 2019. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la Galerie Sultana, Paris. Photo : Aur\u00e9lien Mole.<\/p>\n Exposition collective avec Marguerite Humeau, Jos\u00e8fa Ntjam, Jacques Cousteau, Chris Marker\u00a0<\/p>\n Mishkin Gallery\u00a0(Baruch College, CUNY), NYC<\/strong>\u00a0 Commissariat assur\u00e9 par\u00a0<\/strong>Alaina Claire Feldman<\/strong> et David Gruber<\/strong>\u00a0<\/p>\n Les chants des baleines sont comme des canaris dans une mine de charbon. Ils sont des barom\u00e8tres de la sant\u00e9 de nos oc\u00e9ans. \u00c0 l’approche d’un moment crucial concernant l’\u00e9tat de notre plan\u00e8te, l’\u00e9coute de leurs vocalises peut nous aider \u00e0 mieux comprendre et nous encourager \u00e0 agir en faveur de la gestion des oc\u00e9ans. S’appuyant sur des \u0153uvres d’art contemporaines, des artefacts culturels, des \u00e9ph\u00e9m\u00e8res historiques et des futurs sp\u00e9culatifs, Who Speaks for the Oceans ? examinera le d\u00e9sir de l’humanit\u00e9 d’exp\u00e9rimenter et de communiquer avec le non-terrestre, en se concentrant sp\u00e9cifiquement sur une analyse \u00e9pist\u00e9mologique et historique de ce que nous pensons savoir sur la vie dans l’oc\u00e9an. Nombre de ces id\u00e9es ont \u00e9t\u00e9 nourries par des conventions coloniales, raciales, sexu\u00e9es et terra-centriques, ainsi que par la production de la nature, qui seront expos\u00e9es et critiqu\u00e9es \u00e0 travers les multiples perspectives d’un groupe international d’artistes.\u00a0<\/p>\n L’histoire de l’oc\u00e9anographie est profond\u00e9ment li\u00e9e \u00e0 la culture fran\u00e7aise, puisque le pays compte plus de 4 500 km de c\u00f4tes. D\u00e8s les ann\u00e9es 1880, la France a accueilli sa premi\u00e8re exposition publique exclusivement consacr\u00e9e aux merveilles inconnues sous l’oc\u00e9an, intitul\u00e9e L’Exposition Sous-Marine du Travailleur et du Talisman et organis\u00e9e au Mus\u00e9um national d’histoire naturelle de Paris. L’exposition a \u00e9t\u00e9 extr\u00eamement populaire et a donn\u00e9 le coup d’envoi de l’engouement pour le monde sous-marin, qui est depuis lors une forte tradition fran\u00e7aise. L’exposition s’inscrit dans cette histoire et cette tradition en invitant un groupe d’artistes internationaux, dont quatre artistes fran\u00e7ais :\u00a0Marguerite Humeau, Jos\u00e8fa Ntjam, Jacques Cousteau, Chris Marker, pour questionner ce que nous croyons savoir sur la vie sous la mer et les relations contemporaines entre l’homme et l’animal.\u00a0<\/p>\n En utilisant ce que l’on appelle le \u00ab\u00a0chant des baleines\u00a0\u00bb comme principal exemple des d\u00e9sirs oc\u00e9aniques de l’Occident d’ext\u00e9rioriser, de taxonomiser et de dominer la nature et les autres esp\u00e8ces, les \u0153uvres d’art et les mat\u00e9riaux de cette exposition examineront \u00e9galement comment la technologie, suppos\u00e9e \u00eatre indicielle et scientifique, a inform\u00e9 les perspectives imaginaires et fantastiques des mondes non terrestres. Pour comprendre et appr\u00e9cier l’enchev\u00eatrement avec les animaux et l’environnement oc\u00e9anique, nous devons \u00e9couter leurs appels en dehors des mod\u00e8les de consommation afin de d\u00e9velopper des relations significatives avec eux.\u00a0\u00a0<\/p>\n L’exposition \u00ab\u00a0Who Speaks for the Ocean ?\u00a0\u00bb se tiendra \u00e0 la galerie Mishkin du Baruch College, City University of New York, et sera organis\u00e9e par David Gruber, professeur, biologiste marin et explorateur du National Geographic, et Alaina Claire Feldman, professeur et directrice\/conservatrice de la galerie Mishkin. La galerie est situ\u00e9e dans le centre de Manhattan et se consacre \u00e0 l’\u00e9ducation interdisciplinaire et \u00e0 la promotion de l’appr\u00e9ciation de l’art \u00e0 travers de nouvelles perspectives. De nouvelles commandes seront expos\u00e9es aux c\u00f4t\u00e9s d’\u0153uvres existantes et d’objets historiques. Une s\u00e9rie de programmes publics initi\u00e9s par les \u00e9tudiants, comprenant des ateliers, des sessions d’\u00e9coute et des discussions avec les artistes, sera d\u00e9velopp\u00e9e en parall\u00e8le \u00e0 l’exposition.\u00a0L’engagement d’artistes locaux et internationaux et la volont\u00e9 de faire participer les \u00e9tudiants cr\u00e9eront une empathie affective pour la fragilit\u00e9 de notre environnement et les fa\u00e7ons cr\u00e9atives dont l’\u00e9coute mutuelle peut mener \u00e0 des solutions productives.\u00a0\u00a0<\/p>\n Guggenheim Museum, NYC<\/strong> \u00a0<\/p>\n<\/p>\n Image : Journey to Mount Tamalpais (detail; 2008), Etel Adnan. Collection priv\u00e9e, Courtesy Galerie Claude Lemand, Paris; \u00a9 Etel Adnan<\/p>\n Commissariat assur\u00e9 par\u00a0Katherine Brinson<\/strong>\u00a0<\/p>\n \u00c0 partir du 22 octobre 2021 et jusqu’au 10 janvier 2022, le Solomon R. Guggenheim Museum pr\u00e9sentera une exposition personnelle consacr\u00e9e aux \u0153uvres d’Etel Adnan, c\u00e9l\u00e8bre peintre libanais install\u00e9 en France (titre \u00e0 pr\u00e9ciser).\u00a0Etel Adnan sera pr\u00e9sent\u00e9e parall\u00e8lement \u00e0 une exposition consacr\u00e9e aux \u0153uvres de Wassily Kandinsky. \u00c0 l’instar des expositions phares R.H. Quaytman : + x, Chapter 34 et Hilma af Klint : Paintings for the Future, les \u0153uvres d’Adnan et de Kandinsky se refl\u00e9teront l’une l’autre \u00e0 travers les d\u00e9cennies dans ces doubles pr\u00e9sentations, encourageant le public \u00e0 \u00e9tablir des liens entre ces artistes r\u00e9volutionnaires et modernistes.\u00a0\u00a0<\/p>\n L’exposition d’Etel Adnan occupera les trois premi\u00e8res rampes de la rotonde embl\u00e9matique du Guggenheim avec environ 90 \u0153uvres d’art, suivie par l’exposition Kandinsky au-dessus. L’\u0153uvre d’Adnan sera la premi\u00e8re de trois artistes contemporains \u00e0 \u00eatre pr\u00e9sent\u00e9e aux c\u00f4t\u00e9s de l’exposition Kandinsky, qui se tiendra jusqu’en ao\u00fbt 2022.\u00a0<\/p>\n Cette exposition cibl\u00e9e passera en revue la pratique influente d’Adnan au cours de sept d\u00e9cennies, englobant des peintures, des tapisseries, des films et ses \u00ab\u00a0leporellos\u00a0\u00bb : des livres en papier pli\u00e9s en accord\u00e9on qui chevauchent ses registres linguistiques et picturaux. Premi\u00e8re pr\u00e9sentation solo d’une artiste arabo-am\u00e9ricaine dans la rotonde du mus\u00e9e Guggenheim, l’exposition \u00e9lucidera la fascination de longue date de l’artiste pour l’\u0153uvre de Vasily Kandinsky et l’architecture de Frank Lloyd Wright. Cette exposition est organis\u00e9e par Katherine Brinson, conservatrice Daskalopoulos, art contemporain, et Lauren Hinkson, conservatrice associ\u00e9e, collections.\u00a0<\/p>\n N\u00e9e il y a presque un si\u00e8cle au Liban, Etel Adnan (n\u00e9e en 1925 \u00e0 Beyrouth) a forg\u00e9 un langage cr\u00e9atif d’une puissance et d’un lyrisme singuliers. Sa vaste carri\u00e8re s’\u00e9tend du milieu du si\u00e8cle dernier \u00e0 nos jours et traverse de multiples langues, continents et disciplines. Alors que la po\u00e9sie, la fiction et le journalisme d’Adnan ont offert des r\u00e9ponses politiques br\u00fblantes \u00e0 des \u00e9v\u00e9nements tels que la guerre du Vietnam (1961-75) et la guerre civile libanaise (1975-90), son art visuel est intens\u00e9ment engag\u00e9 dans les th\u00e8mes transcendants de la nature et de la m\u00e9moire. De taille modeste, ses peintures sont cr\u00e9\u00e9es en une seule s\u00e9ance, leurs couleurs intenses \u00e9tant appliqu\u00e9es par touches d\u00e9cisives \u00e0 l’aide d’un couteau \u00e0 palette. Reprenant de mani\u00e8re obsessionnelle des th\u00e8mes r\u00e9currents tels qu’un paysage de montagne, le soleil levant et couchant, et l’oc\u00e9an, elles distillent un sens \u00e0 la fois de l’instant fugace et de l’\u00e9ternel.\u00a0\u00a0<\/p>\n Commissaire ind\u00e9pendante<\/em><\/strong> En collaboration avec la commissaire fran\u00e7aise Marion Vasseur Raluy, l’artiste am\u00e9ricaine Alexandra Grant et la c\u00e9l\u00e8bre \u00e9crivaine H\u00e9l\u00e8ne Cixous, Ana Iwataki, commissaire ind\u00e9pendante et doctorante \u00e0 l’Universit\u00e9 de Californie du Sud, entreprendra des recherches sur place pour un projet intitul\u00e9 Telepathies.\u00a0Apr\u00e8s une ann\u00e9e de collaboration \u00e0 distance, de recherche et de travail pr\u00e9paratoire avec des contacts et des institutions partenaires en France et aux \u00c9tats-Unis, les quatre personnes se retrouveront \u00e0 Paris pour mener des recherches dans les archives d’H\u00e9l\u00e8ne Cixous \u00e0 la Biblioth\u00e8que nationale de France.\u00a0\u00a0<\/p>\n Telepathies<\/em> est un projet qui \u00e9merge d’une longue histoire de collaborations dialogiques, transnationales et translationnelles r\u00e9currentes entre les contributeurs, qui profiteront \u00e9galement du mois pass\u00e9 \u00e0 Paris pour enregistrer leurs conversations et effectuer des visites de studio avec d’autres artistes travaillant sur des modes relationnels.\u00a0L’\u0153uvre t\u00e9moignera de l’exploration approfondie et continue d’Iwataki sur la traduction, la fluidit\u00e9, la porosit\u00e9 des fronti\u00e8res et le potentiel d’influence mutuelle.\u00a0Elle s’appuiera sur les \u00e9crits de Cixous et fera dialoguer d’autres artistes avec l’art de Grant.\u00a0La vision de Telephathies est une \u0153uvre fond\u00e9e sur des arch\u00e9types, centr\u00e9e sur deux objets – un jeu de tarot et un livre – qui incarnera une cosmologie de l’\u00e9coute profonde et de la relation \u00e0 l’autre, permettant des performances en direct et des \u00e9l\u00e9ments participatifs des deux c\u00f4t\u00e9s de l’Atlantique.\u00a0Au carrefour de divers types de connaissances, Telepathies cr\u00e9era des liens et r\u00e9duira l’espace s\u00e9parant l’acad\u00e9mie, les institutions artistiques et les espaces activistes.\u00a0L’\u00e9quipe pr\u00e9voit de s’associer \u00e0 des institutions \u00e0 Paris et \u00e0 Los Angeles pour accueillir des ateliers, des lectures, des sessions de traduction collective, des sessions d’\u00e9coute, des performances et des lancements de livres.\u00a0<\/p>\n Commissaire d’exposition, traductrice et activiste, Iwataki \u00e9tudie souvent les propri\u00e9t\u00e9s mat\u00e9rielles et m\u00e9taphoriques de l’eau, ainsi que les processus d’ingestion, de digestion et de d\u00e9construction.\u00a0Son travail refl\u00e8te un engagement \u00e0 r\u00e9imaginer des fa\u00e7ons cr\u00e9atives et \u00e9thiques d’\u00eatre avec et pour les autres, et son r\u00f4le actuel de doctorante \u00e0 l’USC permettra de pr\u00e9senter Telepathies au sein de l’acad\u00e9mie et dans des conf\u00e9rences, des groupes de recherche et d’autres sites d’\u00e9change.\u00a0<\/p>\n Chronos<\/em><\/strong>, with\u00a0ISCP (International Studio & Curatorial Program), New York<\/strong>\u00a0<\/p>\n Printemps 2022<\/p>\n CHRONOS est un projet international en trois phases qui se terminera par une r\u00e9sidence \u00e0 l’ISCP et des expositions \u00e0 New York et \u00e0 Londres.\u00a0Pendant la r\u00e9sidence de trois mois \u00e0 New York, le duo artistique Ittah Yoda m\u00e8nera des recherches avec des \u00e9crivains et des chercheurs en IA, d\u00e9veloppera des textes et du mat\u00e9riel de publication, accueillera des conf\u00e9rences et des expositions, recherchera et produira de nouvelles sculptures en verre avec UrbanGlass, et pr\u00e9sentera une exposition solo avec Foreign & Domestic.\u00a0<\/p>\n Ittah Yoda est un duo form\u00e9 en 2016 par l’artiste nippo-su\u00e9dois Kai Yoda et l’artiste fran\u00e7ais Virgile Ittah. Issus d’horizons divers, les deux ont d\u00e9velopp\u00e9 leur identit\u00e9 artistique \u00e0 travers des collaborations cr\u00e9atives interculturelles facilit\u00e9es par le num\u00e9rique. S’int\u00e9ressant \u00e0 l’inconscient, \u00e0 l’ins\u00e9curit\u00e9 et \u00e0 l’anxi\u00e9t\u00e9, ils cherchent \u00e0 d\u00e9bloquer de nouvelles compr\u00e9hensions de soi par la reconstitution de traumatismes et de comportements r\u00e9p\u00e9t\u00e9s. Des formes r\u00e9elles et virtuelles sont cr\u00e9\u00e9es dans le but de se connecter \u00e0 un h\u00e9ritage humain partag\u00e9 et \u00e0 un inconscient universel. En encourageant la participation active du public, Ittah Yoda souligne la dimension performative de ses installations. Le duo tente de cr\u00e9er une nouvelle r\u00e9alit\u00e9 sous un r\u00e9seau rhizomique de connexions entre l’\u0153uvre et le spectateur, jetant un pont entre les r\u00e9alit\u00e9s virtuelles et physiques, formant de nouveaux paysages et fa\u00e7onnant le monde de demain.\u00a0<\/p>\n A l’aube d’une nouvelle \u00e8re, d’une soci\u00e9t\u00e9 post-anthropocentrique o\u00f9 la nature humaine doit \u00eatre r\u00e9initialis\u00e9e, le projet CHRONOS questionne la s\u00e9paration de l’objet et du sujet ainsi que la scission m\u00eame entre culture et nature au regard de notre interd\u00e9pendance avec les autres \u00eatres.\u00a0Une installation immersive reliera les mondes r\u00e9el et virtuel.\u00a0Les sculptures physiques et VR prendront une forme hybride, juxtaposant des formes num\u00e9riques et une reconstruction 3D de la faune et de la flore sous-marines.\u00a0L’intelligence artificielle permettra aux utilisateurs-spectateurs de t\u00e9l\u00e9charger l’installation ou de la regarder en ligne depuis diff\u00e9rents endroits.\u00a0Avec ce projet, Ittah Yoda cherche \u00e0 ouvrir de nouvelles possibilit\u00e9s d’exp\u00e9rimentation et de communication en s’adressant \u00e0 un public toujours plus large et plus diversifi\u00e9 – un public toujours plus impliqu\u00e9 dans l’acte de (co-)cr\u00e9ation.\u00a0<\/p>\n \u00a0<\/p>\n Artist space 202202\u00a0Delirious New York<\/strong><\/em>, avec le\u00a0MoMA PS1, New York<\/strong>\u00a0<\/p>\n Octobre 2021 \u2013 Janvier 2022\u00a0<\/p>\n Au cours de cette r\u00e9sidence de quatre mois, l’artiste marseillaise Marie Angeletti m\u00e8nera des recherches en quatre volets : recherche sur les espaces alternatifs du pass\u00e9 ; entretiens enregistr\u00e9s ; photographie (travail en cours sur les diapositives) ; et recherche sur les formes d’\u00e9ducation artistique alternative. Elle a l’intention de mener ces quatre diff\u00e9rents modes de recherche \u00e0 un rythme soutenu : recherche d’archives au PS1 et \u00e0 la biblioth\u00e8que du MOMA, dans l’espoir de d\u00e9couvrir des mod\u00e8les alternatifs qui ont prosp\u00e9r\u00e9 dans le pass\u00e9 de la ville ; engagement avec les communaut\u00e9s locales par le biais d’entretiens ; recherche photographique de la ville, et exploration de nouvelles formes d’\u00e9ducation artistique alternative.\u00a0<\/p>\n Elle effectuera des recherches quotidiennes dans les archives de la biblioth\u00e8que PS1, avec le soutien de Ruba Katrib, conservatrice au MoMA PS1. Son objectif est d’explorer l’histoire sp\u00e9cifique des espaces publics \u00e0 New York. La d\u00e9centralisation a \u00e9t\u00e9 l’objectif de nombreux artistes et groupes esp\u00e9rant revitaliser le monde de l’art et toucher un public plus large, et chaque g\u00e9n\u00e9ration apprend quelque chose de la pr\u00e9c\u00e9dente. Ces objectifs ne sont que trop pertinents alors que nous sommes confront\u00e9s \u00e0 un besoin sans pr\u00e9c\u00e9dent de communaut\u00e9s artistiques et d’\u00e9ducation intelligentes et efficaces en 2021 et au-del\u00e0.\u00a0Dans le cadre de ses recherches, elle r\u00e9pertoriera et visitera des collections priv\u00e9es et d’entreprise, des espaces d’exposition alternatifs et des clubs d’art pour voir ce qui existe, comment l’art est montr\u00e9, structur\u00e9 et financ\u00e9. Elle pr\u00e9voit de visiter la Ford Foundation, la DIA Foundation, la Foundation for contemporary Arts, toutes les collections d’art des universit\u00e9s (NYU, Columbia, Hunter, Cooper, CUNY et quelques autres), la Thomas Johnson Hill Collection, le National Arts Club, l’Issue Project Room, Blank Forms, le Poetry Project, le Wooster Group, quelques h\u00f4tels de la ville qui poss\u00e8dent de grandes collections d’art comme le Gramercy Hotel, o\u00f9 l’Armory show a commenc\u00e9, l’h\u00f4tel Chelsea et l’H\u00f4tel 17 (un point de rep\u00e8re tr\u00e8s important pour l’histoire du centre-ville). Elle pr\u00e9voit \u00e9galement de visiter des espaces alternatifs, o\u00f9 l’art est pr\u00e9sent mais non reconnu, par exemple la biblioth\u00e8que publique de Tompkins Square Park, l’h\u00f4pital Woodhull \u00e0 Brooklyn, o\u00f9 sont expos\u00e9es des peintures murales de Keith Haring, la cath\u00e9drale St John the Divine et l’\u00e9glise Judson, ainsi que les terminaux de bus de Port Authority.\u00a0<\/p>\n Elle aimerait interviewer des artistes, des \u00e9crivains et des musiciens qui ont \u00e9t\u00e9 ou sont encore impliqu\u00e9s dans ces sc\u00e9narios alternatifs. Elle commencera par interviewer la g\u00e9n\u00e9ration pr\u00e9c\u00e9dente d’artistes, comme le cin\u00e9aste Jeff Preiss ou l’artiste Karin Schneider qui faisaient partie de l’espace d’artistes Orchard ; les artistes Julie Ault, Martin Beck, Douglas Ashford, qui ont fond\u00e9 Group Material ; les espaces d’art actuels comme les membres d’Artists Space, Reena Spaulings ou Blankforms. Elle a \u00e9galement l’intention d’observer la ville, de documenter le quotidien, en utilisant la photographie comme une pratique sociale et de recherche. Elle continuera \u00e0 travailler sur une \u0153uvre d’art pr\u00e9existante, pour laquelle elle a d\u00e9j\u00e0 deux emplacements en t\u00eate (les fen\u00eatres d’un des b\u00e2timents de NYU autour de Washington Square, et les fen\u00eatres du Whitney Museum sur la rivi\u00e8re Hudson).<\/p>\n \u00a0<\/p>\n Beyond Circuits<\/em><\/strong>\u00a0avec\u00a0The Computer Music Center at Columbia University<\/strong>\u00a0<\/p>\n 1er juin \u2013 1er septembre 2021\u00a0<\/p>\n Ce projet se concentre sur le Columbia Computer Music Center (CMC) et son histoire d’objets d’art \u00e9lectroniques faits maison.\u00a0<\/p>\n Ezra J. Teboul (n\u00e9 \u00e0 Paris en 1991) est un artiste et chercheur qui se concentre sur les composants et syst\u00e8mes \u00e9lectroniques. En conjonction avec des sons et des visualisations de tensions et d’autres signaux, le circuit, analogique ou num\u00e9rique, est utilis\u00e9 comme un miroir \u00e0 travers lequel le public peut obtenir un regard attentif sur les syst\u00e8mes qui ont permis \u00e0 nos vies de devenir si connect\u00e9es et \u00e9lectrisantes. Ces circuits proposent \u00e9galement des visions alternatives d’utilisation de ces composants, en posant la question suivante : que se passerait-il si nous nous concentrions sur les qualit\u00e9s des exp\u00e9riences po\u00e9tiques collectives, plut\u00f4t que sur l’acc\u00e9l\u00e9ration des \u00e9changes ?\u00a0<\/p>\n Ses recherches aboutiront \u00e0 quatre \u00ab\u00a0sculptures augment\u00e9es\u00a0\u00bb qui attireront l’attention sur une s\u00e9lection d’objets de l’histoire du Computer Music Center, rendant leur histoire et leur fonctionnalit\u00e9 accessibles \u00e0 un public de tous les jours. Ces sculptures combineront des syst\u00e8mes de composants \u00e9lectroniques, des programmes informatiques destin\u00e9s \u00e0 \u00eatre int\u00e9gr\u00e9s aux circuits et des conceptions de r\u00e9alit\u00e9 augment\u00e9e (RA). Alors que les aspects physiques de l’\u0153uvre offrent une exp\u00e9rience interactive mettant en lumi\u00e8re les d\u00e9veloppements technologiques et musicaux du centre, les \u00e9l\u00e9ments virtuels fournissent des informations sur le patrimoine musical, historique et visuel du CMC.\u00a0\u00a0<\/p>\n \u00c0 une \u00e9poque o\u00f9 la solidit\u00e9 de notre infrastructure de communication est remise en question, alors que des millions de personnes t\u00e9l\u00e9travaillent au milieu d’une pand\u00e9mie mondiale, la relation entre les fondements techniques de l’art et de notre quotidien, et l’acc\u00e8s r\u00e9el \u00e0 la recherche sur cette relation, appara\u00eet comme un point crucial d’examen pour le th\u00e9oricien, le praticien et le public au sens large. Dans la mesure du possible, ces objets seront introduits par le biais d’un atelier m\u00e9diatique \u00e9ducatif et interactif.\u00a0<\/p>\n","protected":false},"featured_media":61604,"menu_order":0,"template":"","app_discipline":[265],"app_city_tax":[268,269,271,270,272,267,262,264,273,274],"app_professional_category":[306],"app_professional_content_type":[305],"class_list":["post-63977","app_professional","type-app_professional","status-publish","has-post-thumbnail","hentry","app_discipline-arts-visuels-fr","app_city_tax-atl-fr","app_city_tax-bos-fr","app_city_tax-chi-fr","app_city_tax-hou-fr","app_city_tax-nola-fr","app_city_tax-la-fr","app_city_tax-mia-fr","app_city_tax-nyc-fr","app_city_tax-sf-fr","app_city_tax-dc-fr","app_professional_category-art-design-fr","app_professional_content_type-grants_programs-fr"],"acf":[],"yoast_head":"\n
\nJuin 2022<\/p>\n\n
\n26 octobre 2021\u00a0\u2013 23 janvier 2022\u00a0<\/p>\n\n
\n15 juillet – 15 septembre 2021\u00a0<\/p>\n\n
\nFin 2021 \u2013 Avril 2022<\/p>\n\n
\nSeptembre 2022<\/p>\n\n
\nOctobre 2021 (Prospekt New Orleans Triennial)<\/p>\n\n
\n14 Septembre\u00a0 \u2013 12 D\u00e9cembre 2021<\/p>\n\n
\n27 mai, 2022\u00a0\u2013\u00a015 janvier, 2023\u00a0<\/p>\n\n
\nPrintemps 2022<\/p>\n\n
\nOctobre 2021 \u2013 Janvier 2022\u00a0<\/p>\nBourses de recherche<\/h2>\n
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\nJuin 2022<\/p>\nR\u00e9sidence d’artistes<\/h2>\n
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